HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA

HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA

Antecedentes
El antecedente de la creación fotográfica, es la necesidad del hombre moderno, de plasmar la realidad a través de una nueva forma de ver el tiempo, expresado con la ayuda de las cámaras y no de la expresión artística, como lo había sido hasta la fecha. Como antecedentes de la fotografía se suele llamar a la cámara oscura, a diversas investigaciones sobre la reacción de lassales de plata a la luz, así como a las técnicas artísticas de la figura.

Cronología
1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de suspropiedades.
1558, Giovanni Battista della Porta por sus publicaciones sobre la cámara oscura se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora, una lente en la apertura de la cámara.
1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un instrumento parecido a lo usado en los principios de la fotografía.
En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizoJean Senebier revelaron que las sales actuaban con la acción de la luz.
1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn ya la cámara estaba lista para la fotografía, pero tuvieron que pasar 130 añosmás para que pudiera dar los primeros frutos concretos, aún los químicos no estaban listos.
1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz en latín y alemán, en 1780 en inglés y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto o Jean Auguste Dominique Ingres, parece evidente el uso de esta poderosa herramienta, la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneció al artista.
Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos.
El Physionotrace para hacer perfiles inventado por Gilles Louis Chretien despertaron en la burguesía francesa el apetito por la iconografía, así, pocas décadas faltaban para la aparición del invento que nos interesa.
1801, pocos años antes de su muerte el inglés Thomas Wedgwood hizo los últimos descubrimientos en los procedimientos para capturar imágenes, pero hasta su muerte en 1805 no logró hacerlas permanentes.

Inicios
La Historia de la Fotografía inicia a principios del siglo XIX, cuando en el año 1816 el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.
Niepce comenzó sus investigaciones, necesitando ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado Daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que tenía que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.
Por esos tiempos el Daguerrotipo era mucho más popular ya que era particularmente útil para los retratos, costumbre común entre la clase media burguesa de la Revolución Industrial. Es un hecho que gracias a la enorme demanda de estos retratos, mucho más baratos que los pintados, la fotografía fue impulsada enormemente.

Innovaciones técnicas y científicas 

Daguerrotipo de 1837

Para la captación de las imágenes se empleó la cámara oscura que sufrió constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores de punta.
Por otro lado, los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron el Daguerrotipo, el Calotipo, el Colodión Húmedo y el Gelatino-bromuro. Éstos dos últimos son los que más evolucionaron el conocimiento fotográfico mediante una seriede mejoras en el Calotipo creado por William Fox Talbot. No deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que nos permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica.
En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía deben resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge.
La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica. Para el usuario de a pie, que 100 años después usa una cámara de usar y tirar, muy poco ha cambiado desde entonces, salvo que la fotografía encolor se ha impuesto como estándar, y que las ayudas en el enfoque y el cálculo automático de la velocidad de exposición y apertura del diafragma son ahora habituales. Tal y como para los aficionados de la fotografía en blanco y negro prácticamente no ha cambiado nada desde la introducción en el mercado de la Leica 35mm en 1925. 

La cinta de un tartán. Primera fotografía en color. Tomada por James Clerk Maxwell realizando tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

La fotografía en color fue desarrollada durante el siglo XIX. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861. Sin embargo, la primera película fotográfica en color -Autochrome- no llegó a los mercados hasta 1907. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

Géneros fotográficos en el siglo XIX 

Autoretrato de Nadar.

Los primeros géneros cultivados por los fotógrafos del momento fueron el retrato fotográfico -donde destacaron figuras como Nadar, Disdéri o David Octavius Hill-, y la fotografía de paisaje -género en el que debemos incluir las imágenes de paisajes de los pioneros de la fotografía, Niepce, Daguerre, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot o proyectos como las "Excursiones daguerrianas" y la iniciativa de carácter científico del Barón Jean Baptise Louis Gros.
Posteriormente, y paralelamente a lo ocurrido en otras disciplinas artísticas, se desarrolló la fotografía academicista, muy apoyada por la clase política dominante, en la que destacaron las figuras de Oscar Gustav Rejlander, de Henry Peach Robinson, Disdéri o Julia Margaret Cameron, así como la recuperada obra del español Fernando Navarro.

El Pictorialismo
Dentro de la controversia existente acerca de si la fotografía podía ser arte o no, surgió un movimiento llamado pictorialismo para ofrecernos una visión de las imágenes fotográficas como objetos artísticos únicos, que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del siglo XX.
Sus representantes más destacados fueron Peter Henry Emerson, Robert Demachy, y Alfred Stieglitz. Este último, de nacionalidad estadounidense, al regresar a Nueva York luego de su formación en Europa, creó el grupo Photo-Secession en 1902, y a partir de él difundió la fotografía artística en USA, a través de la revista Camera Work y la galería 291. Si bien Photo-Secession comenzó siendo un grupo de fotografía pictorialista, evolucionó buscando mayor autonomía para la obra de arte fotográfica y sentó las bases de los movimientos de fotografía pura que surgieron en los años 30: el Grupo f/64 en Estados Unidos y la Nueva objetividad en Alemania. Ambos movimientos, opuestos a la manipulación pictorialista y a la experimentación vanguardista con la fotografía, buscaban una belleza específicamente fotográfica, registrando objetos simples y cotidianos, haciendo hincapié en la composición y en el manejo de la técnica fotográfica "pura".

Fotografía documental
La fotografía documental ha sido quizá el género más desarrollado desde los inicios de la fotografía, por aquella asociación inmediata que se hiciera de la técnica fotográfica a una mayor "objetividad" en la captación de la realidad que otras formas de representación visual.
En ese sentido, recordemos que el invento de la fotografía se presentó en la Academia de Ciencias de París, y su presentador, Arago, hizo un fuerte énfasis en las posibilidades que brindaba este nuevo invento para la arqueología, la biología, la astronomía y para la divulgación de estas ciencias, en la medida que permitía a muchas más personas ver imágenes de fenómenos distantes e inaccesibles.
Las primeras aplicaciones documentales fueron la fotografía de viajes y la fotografía de guerra.
La fotografía de guerra en el siglo XIX aparece basada en una idea primitiva de reportaje fotográfico, en la que destacaron Roger Fenton en la Guerra de Crimea (1855), con la primera documentación fotográfica de guerra que se conoce, realizada con muchas limitaciones técnicas (colodión húmedo) e ideológicas, puesto que la documentación de Fenton estuvo financiada por el gobierno para que sus fotos llevaran tranquilidad a los familiares de los soldados.
Poco después, Mathew B. Brady, documenta la Guerra de Secesión en Estados Unidos (1865), como un proyecto comercial independiente: la realización de un álbum al finalizar el conflicto. También encontramos otras iniciativas similares en la Guerra de la Triple Alianza (Argentina-Brasil-Uruguay contra Paraguay en 1865) por Esteban García, por encargo de la casa Bates deUruguay, y en la Guerra del Pacífico (1879-1884) a cargo de la sociedad Díaz y Spencer (del Chileno Carlos Díaz Escudero y el estadounidense Eduardo Clifford Spencer).
Es importante recordar que el fotoperiodismo aún no se desarrolla debido a que la técnica de impresión de fotografías en los periódicos y revistas (el sistema de medios tonos u Impresión Offset) se inventa en 1880.
En México, a principios del siglo XX, destacaron en este género, la familia Casasola, estirpe de fotógrafos que llenaron de imágenes más de cuatro décadas del México revolucionario y posrevolucionario.
Ajenos a estos movimientos, y centrados en trabajos de documentación fotográfica de la realidad, desarrollan sus trabajos fotógrafos como Arnold Genthe, Frances Benjamin Johnston, entre otros.

Fotografía en el siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial 

Fotografía aérea de Colonia, destruida por bombardeos aliados durante la Segunda Guerra Mundial

La aproximación a este período histórico de la fotografía nos lleva ineludiblemente al análisis del periodismo fotográfico, la relación de las vanguardias históricas y la fotografía y a una exposición de los diferentes realismos fotográficos que se desarrollan en estos años.
El periodismo fotográfico es el que nos da a conocer por medio de una foto todo lo que pasa en un lugar, estas visualizaciones nos cuentan mucho y por esto ya tenemos idea visual de lo que pasa en un lugar.
La posibilidad de imprimir fotografías junto al texto en periódicos y revistas fue investigada durante el siglo XIX mediante diferentes posibilidades, como la litografía. En 1880 se inventó la tećnica de impresión en medios tonos, que es la antecesora del actual procedimiento de offset y fotocromía. Sin embargo, el fotoperiodismo también se enfrentaba a problemas técnicos en la toma fotográfica, ya que las emulsiones aún tenían sensibilidades muy bajas, por lo que tomar fotos en interiores o de noche se limitaba al uso irreemplazable del flash (de magnesio, en aquel entonces). Sumado a esta dificultad, las cámaras de gran formato y la frecuente necesidad de usar trípode hacían que los fotoperiodistas estuvieran muy limitados en sus posibilidades detrabajar el "discurso fotográfico documental".
El fotográfo que logró superar estas limitaciones fue Erich Salomon en Alemania, a partir de 1925. Salomon créo un estilo fotográfico documental conocido como foto live o fotografía cándida. Sus fotos se caracterizan por mostrar a los sujetos espontáneamente, sin pose ni arreglo, muchas veces sorprendidos por el fotográfo.

La Fotografía a partir de 1945
Todos los géneros fotográficos surgidos en momentos históricos anteriores tienen su continuación tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Especial relevancia presenta la evolución en estos años del periodismo fotográfico, en el ámbito de la fotografía documental y los nuevos diálogos que se establecen entre la fotografía y las artes plásticas, que comienzan a fundirse en la denominación genérica de artes visuales.
Asistimos, igualmente a la aparición de otros usos de la fotografía en este período, así como al desarrollo de nuevas visiones de la Fotografía de paisaje y del empleo masivo de la fotografía en color, gracias a la obra de William Eggleston.
En estos años merecen especial mención las obras de Robert Doisneau y Robert Frank.

Cronología
1947 Se funda la Agencia Magnum: una cooperativa de fotógrafos preocupados por la manipulación de la información fotográfica en los medios de prensa.
1950, nuevos procedimientos industriales permiten incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de éstas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez.
1960, que los primeros VTR (Video Tape Recorder que en 1951,ya eran capaces de capturar imágenes de televisión, convertirlas en una señal eléctrica y guardarlas en soportes magnéticos) son utilizados por NASA, para captar las primeras fotografías electrónicas de Marte.
1969, es considerado el inicio de la carrera digital. Willard Boyle y George Smith diseñan la estructura básica del primer CCD (acrónimo de Charge Couple Device ó Dispositivo de Carga Acoplada) Este dispoditivo CCD planteado como un sistema para el almacenamiento de información es utilizado un año más tarde, por los laboratorios Bell como sistema para capturar imágenes al construir la primera videocámara.

El siglo XXI para la Fotografía
Nuevos retos se plantean para la fotografía en el siglo XXI con la irrupción de la holografía y la fotografía digital. Esta última ha venido a solucionar uno de los verdaderos problemas de los fotógrafos ubicados en lugares remotos, como los corresponsales, que no tenían acceso a medios de procesado de fotografías. La búsqueda de nuevos medios para poder servir imágenes tan pronto como fuera posible, se encuentra en la base de la aparición en 1990 de la primera cámara digital.
Aunque al principio su precio las hacía inaccesibles para el gran público, hoy en día las cámaras digitales están al alcance de la mayoría, disminuyendo los costos de los materiales y en paulatino aumento de su calidad técnica.
En el campo de la producción existen unas últimas tendencias fotográficas que nos permiten adivinar cómo será el camino a recorrer en este inicio de siglo. 

Fuente: Canal Historia 

Duracion: 27 min (por capitulo) 

Tamaño: 280 MB aprox. (por capitulo) 

Video: TVRip (Buena calidad) 

Audio: Español

Capítulo 1 - El retrato: Subiendo

Capítulo 5 - Reporteros: http://www.fileserve.com/file/DxV7fQx

Capítulo 2 - El desnudo: http://www.fileserve.com/file/8eqm6HT

Capítulo 3 - La moda: http://www.fileserve.com/file/aEJH72e

Capítulo 4 - Reporteros de guerra: http://www.fileserve.com/file/uUuV69w

Capítulo 5 - Reporteros: http://www.fileserve.com/file/DxV7fQx

En mi humilde opinión un buen documental con el que estoy aprendiendo cosas. Además, conocer la historia de la fotografía también es un buen punto de inflexión hacia la madurez como fotógrafo.

Maestros de la fotografía: Seydou Keïta

SEYDOU

KEÏTA

Seguramente el fotógrafo maliense más importante de la historia. Nació en Bamako (Mali) en 1920 para morir, 81 años más tarde, en 2001 en la francesa ciudad de París.

Siendo joven recibió una cámara fotográfica de sus tios que habían viajado a Senegal. Desde ese momento empezó a retratar a su familia y sus pertenecias hasta enamorarse de la fotografía.

Aprendió de otro fotógrafo, Pierre Garnier, para en 1948 abrir su propio estudio fotográfico especializándose en retratar a las personas de color. Para ello tuvo que sortear muchos perjuicios, pues la gente temía a la cámara fotográfica, ya que pensaban que la cámara les robaría su identidad. 

Pero como conocen a Keïta y es de color, como ellos, finalmente acceden a que él los retrate, siempre pensando que hacía magia.

Una vez superado el obstáculo tuvo que hacer frente a otro, bendito, problema. Las personas hacían cola para ser retratadas por Seydou.

Mirando más allá de su gran trabajo como fotógrafo, nos damos cuenta de que a través de el podemos ver el cambio de la sociedad maliense.

Pero centrándonos un poco en su forma de fotografiar, le encantaba colocar colchas coloristas como fondo. Tal era su obsesión por estas colchas que llego a decir que sus fotografías se podrían fechar fijándose solo en la tela que usaba para sus fondos.

Lo cierto es que, aunque esto lo dijo en broma, daba mucha importancia a los fondos de sus fotografías. Incluso habían veces que las personas a retratar parecían fundirse con el fondo.

A continuación os dejo un par de entrevistas. Una con el propio Keïta y otra con su descubridor Françoise Hguier, quien fue su descubridor y que he podido rescatar de la red.

Entrevista a Seydou Keïta:

Empecé a fotografiar en Bammako en 1945. Soy autodidacta; tenía una cámara de 6 x 9 que me trajeron mis tíos de su viaje al Senegal. También me dieron dinero para comprar película. Todo comenzó así. Honestamente lo practiqué lo mejor que pude: estaba enamorado de la fotografía.

Al principio fotografiaba a mi familia. Algunas poses funcionaban, otras no. Tuve un comienzo realmente malo: las personas se movían y probablemente yo también me tambaleaba. Cuando revelaba, todos parecían esqueletos. Como verán, estaba subentrenado. Le pedía a mi cliente dinero para el revelado que estaba haciendo en Pierre Garnier o en el laboratorio Mountaga. El me enseño como revelar. Si el revelado no salía bien, estaba en problemas; los clientes se ponían furiosos, pero ellos eran los que se habían movido.

En 1948 Mountaga admitió que ya estaba lo suficiente preparado para dejarme en el cuarto oscuro. Yo hacía todo el proceso pero únicammente en blanco y negro. Por supuesto que color estaba a la vuelta, pero las películas se tenían que enviar a Francia y de cualquier forma no me gustaba. Lo bueno para mi era el blanco y negro. En aquellos días había cuatro fotógrafos en Bamako: Issouf, Boundyana, Mountaga y yo. Deespués vino Malik Sidibe. Todos hacíamos retratos, pero todos solían decir que mis "tarjetas" eran las mejores. Tenía un sello que le ponía a todas mis fotografías.

Compré una cámara de negativos de 5 x 7 en 1949. Como hacía impresiones de contacto, prefería la 5 x 7. Había colgado varios ejemplos de mi trabajo en el estudio: hombres y mujeres en tomas de medio cuerpo solos o en parejas, o en grupos hasta de seis, familias y cosas así. El cliente me decía como quería fotografiarse y yo lo hacía. Algunas veces los acomodaba en poses que se vieran mejor. Yo era el que decidía al final y nunca me equivocaba. Tomaba apenas unos minutos, solo usaba un negativo, nunca más. Venía mucha gente, compraban los sábados, estaba repleto de gente: hacían cola; gente de todos tipos: zapateros, empleados de oficinas; hasta el Presidente de la República llegó a venir. Revelaba en las noches y hacía el retoque en las mañanas justo antes de que regresaran los clientes por sus fotografías.

El primer telón que utilicé con mi cámara de 5 x 7 era la colcha de mi cama. La cambiaba cada dos o tres años. Por eso sé la fecha de las fotografías. A veces el fondo funcionaba muy bien con las ropas, especialmente de las mujeres. Pero eso era mera suerte.

En aquella época, la cultura de los ancestros no era tan fuerte como solía serlo. Los citadinos vestían como europeos y su comportamiento estaba fuertemente influenciado por las costumbres francesas. Pero no toda la gente tenía dinero para vestirse así. En el estudio tenía tres diferentes trajes con corte europeo, con corbata, camisa, zapatos, sombrero y algunos accesorios: pluma fuente, flores de plástico, un radio y un teléfono para prestarlo a los clientes.

Para las mujeres, los vestidos no sufrieron tanto cambio. Las prendas de occidente, tales como las faldas estuvieron de moda únicamente a finales de los sesentas. Las mujeres venían con sus vestidos largos y yo los acomodaba: mientras más extendidos más contentas se ponían. (esta parte no estoy segura:) Sus encantos tenían que lucir en la fotografía: las joyas eran tan importantes como las manos; los dedos largos y delgados eran considerados símbolos de elegancia y belleza.

Nunca conocí un fotógrafo extranjero. Nunca salí y tampoco conocí sus fotografías. Uno no podía conseguir aquí revistas francesas o americanas. La única publicación disponible era el catálogo de Manufrance.

Trabajaba igual de bien con luz natural o artificial. Había clientes que preferían las "fotos de noche" porque eran pálidos, pero yo prefería la luz natural. Realmente les gustaban mis fotografías por que eran muy contrastadas y también por que apreciaban como estaban ubicados. Lo único que sé es que mis fotografías eran muy buenas.

Cuando las veo ahora, no han cambiado nada, ni siquiera han cambiado de color. Trabajé con la misma cámara hasta 1977 y guardé todos los negativos: todos están aquí: ¡¡¡Los clientes pueden reordenar!!! Nuna nadie se quejó de otra forma jamás habrían regresado.

Si te gusta mi trabajo debes saber por qué. Se que muchas de mis fotografías son excelentes y que es por eso que te gustan. Dejé de fotografiar cuando la fotografía a color dominó. A la gente le gusta pero son las máquinas las que hacen el trabajo. Muchos se dicen fotógrafos hoy en día, pero no saben nada.

Entrevista a Françoise Hguier:

Una mañana en Bamako tenía que llevar mi cámara a arreglar, así que fuí al taller para cámaras de Malik Sidibe. Malik Sidibe es un técnico muy hábil pero en los setentas solía ser fotógrafo.

Por supuesto que hablamos de fotografía y fue cuando me dijo que hace mucho tiempo, hubo en Bamako un estudio fotográfico muy famoso de Seydou Keita.

Seydou Keita había dejado de trabajar pero que había guardado todos sus archivos -cosa muy extraña en Africa-.

En la mañana siguiente fuí rápidamente donde Seydou Keita y lo primero que me impresionó fué encontrar que su trabajo estaba cuidadosamente empacado en cajas marcadas: fotografías de pie, hombres, mujeres; fotografías de medio cuerpo, hombres, mujeres.

Por supuesto que no había hojas de contacto ni impresiones ni pruebas; eran sólo negativos, cientos de negativos de 5 x 7.

Y es la memoria completa de una época concluída, la vida entera de un recinto en Bamako latente ahí, en esas cajas, que de repente era revelada.

Además quizá de este tesoro patrimonial, estaba conmovido por las mismísimas imágenes. Mostraban un gesto exquisito, una destreza artística en la postura de los modelos, destacando el vestuario y los accesorios.

Como fotógrafo, creo que cuando se quiere retratar a alguien, lo más difícil es estimular al sujeto y Seydou Keita lo hacía perfectamente, especialmente considerando lo comercial de su trabajo.

Para él, enmarcar no era su asunto. El no era un fotógrafo que corta una relalidad, más bien es un fotógrafo que compone una representación.

La luz en el trabajo de Seydou Keita es la luz de Mali, la luz pura del Sahel. La utilizaba para enfatizar de forma natural, los tonos de la piel, las prendas, las joyas.

Tiene una profunda intimidad con sus sujetos, y creo que eso se debe en parte al comportamiento tradicional de la comunidad de Mali conocido como "clientismo" o bromear al primo".

El hecho es que creo que en sus fotografías, más aún con los retratos de las mujeres, se ve que Seydou Keita estaba enamorado de los sujetos. Eso se manifiesta en su trabajo.

Maestros de la fotografía: Richard Avedon

"Uno es lo que come", reza un dicho popular. Extrapolando esto a fotografía, un fotógrafo es lo que ha mamado. Por eso, que mejor que estudiar a los genios de la historia, aquellos que marcaron un antes y un después en este mundo.

No conozco la historia de casi ninguno y haré pequeñas menciones, centrándome sobretodo en lo que de verdad importa, sus fotografías. Pues soy de la opinión que el trabajo de un artista habla más del artista que su propia historia.

Para esta primera ocasión he decidido hablar de Richard Avedon quien me ha dejado fascinado con sus retratos.

RICHARD

AVEDON

Richard Avedon fue uno de los grandes retratistas de moda y que a mi, personalmente, me inspira muchísimo.

Neoyorquino nacido en Mayo de 1923, comenzó su carrera fotográfica en 1943 al ir a la guerra con la cámara que su padre le regaló. Pero su verdadera pasión era la fotografía de moda, estilo al que se dedicó cuando regresó del frente.

Para él la fotografía era como una confrontación creando una tensión para capturar la verdad interior de sus modelos. En palabras suyas "la fotografía es como una actuación, pues parece ocultar la realidad del sujeto pero va mucho más allá. El hecho es que no se puede captar la auténtica naturaleza del sujeto eliminando todo lo que le rodea. Solo se puede llegar más allá de ese circo trabajando con ese circo. Lo único que se puede manipular es ese circo, los gestos, los trajes, las expresiones... de un modo radical y correcto"  Siempre trató de buscar contradicciones conectadas en las personas que fotografíaba y lo conseguía. 




Fue considerado uno de los diez mejores retratistas del mundo por la revista "Popular Photography", lo que le abrió las puertas a poder retratar a personalidades de todo tipo como Charlie Chaplin, Buster Keaton, Stravinsky, Jhon Ford, Andy Warho, Truman Capote, Francis Bacon, Jorge Luis Borges, The Beatles, Sofia Loren, la familia Kennedy y muchos más.

Su éxito fue tal que sus trabajos frecuentaban algunas de las revistas más populares de la época como Harper´s Bazaar y Vogue. Incluso en 1957 la película Funny Face le rendía un pequeño homenaje al incluir un fotografo de moda claramente inspirado en Avedon.

                  

Es digno de mencionarse uno de sus trabajos más importanes. Ocurrió en 1979 y fue un encargo del Museo Amon Carter en el que pasó cinco años de su vida recorriendo el oeste de Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia americana. La obra fue titulada In the american west y en ella aparecen personas de lo mas corriente tales como granjeros, mineros, prostitutas, vaqueros de rodeo, amas de casa y muchas más. Aunque lejos de mostrar en sus fotografías el típico sueño americano, lo cierto es que estos retratos son un ejemplo de composición soberbia y una considerable fuerza expresiva, algo que Avedon sabía capturar muy bien.

Cuando en 1984 terminó el trabajo había recorrido 189 poblaciones por 17 estados. En total había fotografiado a 752, para lo cual tuvo que utilizar unas 17.000 placas de película. Al final solo 123 retratos serían seleccionados para formar parte de la colección In the american west para la cual fue contratado.

En Octubre de 2004, a la edad de 81 años, estaba realizando el que sería su último trabajo. El título de este trabajo era On democracy y lo estaba realizando para The New Yorker, la publicación para la que trabajaba en exclusividad desde 1992. El trabajo consistía en retratar a políticos y ciudadanos de a pie  de Estados Unidos para que apareciesen con motivo de las elecciones que se iban a celebrar próximamente en el país.

Pero el infortunio y Richard Avón estaban citados para aquellos días y se presentó en forma de hemorragia cerebral, lo que le causó la muerte y, con ello el fin de su obra artística por la que siempre será recordado.

Pero aunque ya no está entre nosotros dejó un legado en forma de imágenes inmortales que siguen haciendo las delicias de cuantos las ven y estudian.

Para concluir con el repaso a este Maestro os dejo una de sus célebres frases: "La fotografía es un arte triste"

Wikipedia: Richard Avedón

Curso fotografía "Trípode"

En la red podemos encontrar muchos cursos y videocursos de fotografía. Algunos mejores, otros peores.

Hay uno con el que yo aprendí muchísimo y quisiera compartirlo con los lectores del blog, además de recordarlo.

Se trata del curso de fotografía "Trípode"

Podéis verlo a continuación. Dentro de la misma ventanita de Youtube podéis ver todas las partes del curso que son un total de 22.

Para ver en youtube: Click aquí

Personalmente me gusta más verlo en: Ir

"Estudios" fotográficos improvisados de dsc828

Desde que compré la EOS 1000D he sentido la necesidad de hacer un poco de fotografía de estudio. Pero mi economía no me permite tener uno ni tampoco material.

Así que siempre he tenido que improvisar con lo que he tenido a mano.

Por ejemplo, en mis primeras fotografías a objetos me serví de la lámpara de mesa que tenía, el escritorio de estudiar y una cartulina negra. La gran pega era que la luz de la lámpara era muy amarilla y no sabía en aquel entonces controlar eso.

También al aire libre he creado mi propio estudio para "cazar estrellas" como decía. En las templadas noches de Septiembre salí varias veces al campo raso a fotografiar estrellas. Ponía la cámara en el trípode y, debajo del mismo, una manta sobre la que sentarme. Como no tengo cable disparador para el método BULB conecté la cámara por USB al portatil y con el software de Canon podía controlar la cámara.

Pero no solo para fotografiar objetos he tenido que apañarme un "estudio". También para autoretratos. Para el siguiente estudio me compré una tela negra mate grande que colgué de un armario como pude. Y con más apuros que otra cosa salió alguna foto bien. 

Por último, cansado del método de la lampara y cartulina negra, me hice un softbox (caja de luz). Y admito que fotografiar en ella es una delicia, aunque la hice desmontable y bastante aparatosa. Pero me gusta. Claro que tras hacer las fotografías es necesario retoque fotográfico para mejorar el fondo, pero los objetos salen muy bien.

Como es lógico hay muchos más métodos de hacer un estudio casero improvisado, pero estos tres son los que más he usado, a falta de algo profesional.

Ejemplos de fotografías hechas así:

Técnica: Light Painting

LIGHT PAINTING

Me gustaría que la primera técnica de la que se hable en este blog sea el light painting.

Aunque la técnica en sí no es moderna, hay que decir que se está poniendo cada vez más de moda, en especial entre los jóvenes/adolescentes.

Tal como su nombre indica (en español pintar con luz) se trata de pintar cosas con la luz.

Como todo fotógrafo con mínimo conocimiento, sabemos que lo que la cámara fotográfica hace es captar la luz que le llega a través del objetivo y plasmarla en el sensor (o película si es analógica).

Así pues, teniendo esto presente. Si nos metemos en un cuarto oscuro y hacemos una foto saldrá en negro por que no hay luz que capturar. Pero, ¿y si mientras se está haciendo la fotografía encendemos una lámpara? Entonces sí saldrá algo en la fotografía final. Tanto la lámpara como lo que esta ilumine.

Aplicando esto al light painting, si ponemos una exposición larga, en un cuarto oscuro, pulsamos el botón de fotografiar y, por ejemplo, escribimos con una linterna (frente a la cámara) una letra, cuando la fotografía salga en el visor LCD veremos esa letra dibujada con nuestra linterna.

LRM digital

Espacio reservado para LRM digital

dsc828

Me conocen por mi nick dsc828.

Tengo 22 años y empecé a sentirme atraido por la fotografía a los 12 años, cuando hicieron un curso gratuito donde vivía antes.

En el curso solo aprendí las partes de la cámara.

Entonces tenía una reflex analógica marca Yashika con un buen conjunto de objetivos. Zoom, tele, triplicador, macro, gran angular y un 55mm.

Durante algún tiempo hice fotografía con lo muy poco que sabía, que consistía en enfocar, disparar y cambiar los carretes.

Iba con un amigo a menudo a un parque y nos hacíamos fotos. Y algún tiempo después, en una visita de mis tios y primos, fuimos al Oceanográfico de Valencia y llevé la cámara. Ese día gasté unos 5 carretes de 36 fotos cada uno.

Después la abandoné y no volví a retomar la fotografía hasta 4 o 5 años después.

Ya con mi la que ahora es mi ex, tuvimos un perro y me gustaba fotografiarlo. La cámara era un asco, todo hay que decirlo. Era una sony compacta digital.

Pero llegó el año 2009. En una asamblea vino un amigo mío con su cámara digital y entonces cogí el auténtico gusto por la fotografía.

Pero quedé muy decepcionado con las fotografías. Por lo que miré mis ahorros, pedí prestado a mi padre y me compre la cámara que ahora tengo en mi poder.

Una Canon EOS 1000D con objetivo Tamron 18-200mm Macro 3.5/6.3. El objetivo no es nada del otro mundo, pero me ha ayudado mucho. La cámara se denomina en el mundillo fotográfico como de "aprendizaje". No se si será de eso o no, pero he aprendido mucho con ella.

Desde Julio de 2009 he disparado casi 7000 fotos. He hecho varios cursos online. Leido varios libros. Compartido fotografías, experiencias y conocimientos con fotógrafos amateurs en foros y blogs.

Y ahora si puedo decir que he notada una gran mejora en mis fotografías. Para mi he dado un salto de gigante desde aquel primer curso que hice con 12 años. Pero aún así se que me falta un camino muy largo por recorrer y estoy lejísimos de poder ser llamado fotógrafo. Pero mientras seguiré aprendiendo y practicando.

Equipo actual:

Cámara analógica Yashika con objetivos: Macro, zoom, tele, gran angular, triplicador y 55mm.

Cámara digital EOS 1000D con objetivo 18-200mm Tamron. 

Accesorios: Trípode, lente macro, filtros UV y Polarizado.

Una fotografía mía: "La vida sigue alrededor del indigente"

 

Galería Flickr: dsc828

¿Qué es este blog?

Hola a todos.

He creado este blog con la ilusión que entre un amigo aficionado al a fotografía y yo, también con la misma afición, compartamos nuestros trabajos, ideas, apuntes, teorías, etc.

De esta forma estaremos en contacto continuo y aprendiendo el uno del otro y otros de nosotros.

También haremos retos personales entre él y yo.

Él es LRM digital, de México.

Yo soy dsc828, de España.

Y este es nuestro blog de fotografía.